10 Лучших Решений в Истории Аниме, Которые Навсегда Изменили Индустрию

от

Индустрия развлечений процветает благодаря риску. Каждый тип шоу, способ его финансирования и даже время выхода в эфир существуют благодаря тому, что кто-то однажды решился пойти на авантюру с идеей – решение, которое некоторые считали гениальным, а другие – глупым.

Инвестировал в Теслу, потому что нравится машина? Это хороший старт. А теперь давай разберемся, что такое мультипликаторы и почему это важно.

Начать разбираться

Эти решения включали изменения в способах финансирования проектов и устранение устаревших систем, из-за которых аниме выходило намного позже в некоторых странах. Некоторые решения принимались при крайне ограниченных ресурсах – без денег, без времени и без страховки – тем не менее, они создали успешные модели, которым впоследствии последовали другие, лучше финансируемые проекты.

Осаму Тэдзука заставил всю индустрию переосмыслить, на что способна телевизионная анимация.

Когда Astro Boy впервые вышел в эфир в 1963 году, Осаму Тэдзука сознательно использовал упрощённый стиль анимации. Он заимствовал техники из школы UPA – используя меньше рисунков, удерживая позы дольше и используя умные ракурсы камеры – чтобы сделать производство еженедельного телешоу доступным. Этот подход стал стандартным для каждой студии, последовавшей за Astro Boy в телевидении, поскольку никакой другой метод не был финансово целесообразен.

Наиболее значительное влияние касалось не денег, а художественного стиля. Поскольку ранняя аниме не имела плавной анимации, создатели полагались на сильный сценарий, музыку и тщательно подобранные изображения для рассказа историй. Это придавало ей кинематографическое ощущение, которое сохранялось даже по мере улучшения технологий анимации. Позже такие шоу, как Neon Genesis Evangelion, намеренно использовали этот подход к повествованию в качестве ключевого творческого элемента.

Политика студии Ghibli, заключающаяся в отказе от сокращений, доказала, что полнометражная анимация может отказаться от коммерческих компромиссов.

Хаяо Миядзаки твердо верил, что каждый фильм Studio Ghibli должен демонстрироваться в кинотеатрах именно так, как он был создан, без каких-либо изменений, требуемых дистрибьюторами. Это была редкая и успешная позиция для анимационной студии. Такие фильмы, как My Neighbor Totoro и Spirited Away, доказали, что этот подход работает как с художественной, так и с финансовой точки зрения, достаточно последовательно, чтобы стать основополагающим принципом работы Studio Ghibli.

Успех фильмов студии Ghibli установил новый стандарт, который распространился за пределы их собственных произведений. Когда Princess Mononoke был выпущен в Америке компанией Miramax в 1997 году, известная история об отказе Миядзаки вносить изменения в фильм доказала одну вещь: Ghibli показал, что анимационные фильмы заслуживают такого же уважения и творческого контроля, как и фильмы с живыми актёрами. Это повлияло на то, как будущие дистрибьюторы обращались с анимационными фильмами, и в конечном итоге повлияло на то, как стриминговые сервисы начали их приобретать.

Hideaki Anno превратил бюджетный кризис Evangelion в самый влиятельный финал в истории ТВ-аниме.

К концу 1995 года у аниме Neon Genesis Evangelion закончились деньги, а его создатель, Хидэаки Анно, был эмоционально истощен. Вместо того, чтобы продолжать полную анимацию для эпизодов 25 и 26, команда использовала более дешевые методы, такие как эскизы, неподвижные изображения и внутренние монологи. Это был не компромисс, а сознательный выбор, чтобы визуально представить интенсивную внутреннюю жизнь персонажей, предполагая, что настоящая психологическая глубина не нуждалась в ярких визуальных эффектах.

Подобные сериалы, как Serial Experiments Lain, Paranoia Agent и The Tatami Galaxy, все извлекли уроки из Evangelion о том, что анимация становится мощнее, когда создатели отходят от традиционных методов вместо того, чтобы стремиться к безупречному исполнению. Хидэаки Анно был пионером этого подхода, сталкиваясь с трудностями, и другие режиссеры переняли его с тех пор – это оказало долгосрочное влияние, превосходящее то, чего может достичь любой крупнобюджетный проект.

Модель производственного комитета отделила творческий риск от корпоративного выживания.

До 1990-х годов, если аниме-сериал проваливался, все финансовые риски нес телеканал, который его финансировал. Современная система, при которой инвестиции распределяются между разными компаниями, такими как производители товаров, DVD и транслирующие шоу, изменила это. Теперь сериал может быть неудачным, не разоряя основную производственную компанию. Этот распределенный риск позволил больше экспериментировать, что было невозможно, когда единственная компания несла полную ответственность за финансирование.

Я определенно заметил, насколько больше аниме сейчас по сравнению с тем, что было раньше. Кажется, что большему количеству шоу дают зеленый свет, охватывая более широкий спектр историй, и даже менее популярные манга и романы получают адаптацию. Что действительно интересно, так это то, как сейчас производится аниме – с участием комитетов – это привело к огромному вниманию к мерчендайзу. Так франшизы, как Sword Art Online и Re: Zero продолжают существовать долго после первоначального показа по телевидению, превращаясь в долгосрочные источники дохода, а не просто в один сезон и всё.

Полная приверженность Studio Orange к CGI в аниме Land of the Lustrous положила конец десятилетию скептицизма.

В течение примерно пятнадцати лет компьютерная графика (CGI) в аниме часто выглядела неестественно, особенно в сценах с большими толпами или движущимися машинами. Но в 2017 году аниме Land of the Lustrous сломало этот шаблон. Режиссер Orange не использовал CGI, чтобы просто имитировать традиционную анимацию; вместо этого они использовали его для создания эффектов, которые невозможно достичь с помощью ручной отрисовки. Например, тело и волосы персонажа Phosphophyllite двигались таким образом, что их нельзя было бы реалистично анимировать вручную, благодаря уникальным возможностям рендеринга CGI.

Аниме Beastars использовало CGI уникальным способом, фокусируясь на последовательном стиле, а не пытаясь выглядеть как традиционная анимация. Этот подход повлиял на то, как люди начали оценивать анимированные работы, отражая то, что студия Orange уже продемонстрировала как возможное. Аналогично, Land of the Lustrous было построено вокруг сильных сторон CGI — того, что у него получалось хорошо — вместо попыток воспроизвести техники, лучше подходящие для традиционных методов, предлагая другим студиям свежий творческий путь, выходящий за рамки простого снижения затрат.

Инвестиции Netflix в производство аниме пересмотрели потолок бюджета и амбиций.

Примерно в 2017 году Netflix начал инвестировать в оригинальное аниме, и одним из первых результатов стал Devilman Crybaby. Режиссёр Масааки Юаса получил творческую свободу, поскольку Netflix не был связан правилами традиционного ТВ-аниме. В отличие от телешоу, Netflix не ограничивал то, что можно было показать, продолжительность эпизодов или то, как разворачивается сюжет в течение сезона. Такой уровень творческого контроля нельзя было бы достичь, имея больше денег от традиционного вещания.

Netflix изменил способ распространения аниме по всему миру. Сделав такие шоу, как Aggretsuko и Castlevania, доступными везде одновременно, они устранили долгие задержки, с которыми раньше сталкивались западные фанаты со времен видеокассет. Этот новый подход был обусловлен потребностями стриминга и привел к созданию шоу, которые, вероятно, не были бы созданы в рамках традиционной телевизионной системы аниме.

Еженедельный формат вещания Toei Animation сделал Dragon Ball и One Piece частью культурной инфраструктуры.

Решение сделать Dragon Ball непрерывным еженедельным сериалом вместо ограниченного OVA изменило то, как создавалась анимация. Вместо простого адаптирования манги, Toei Animation рассматривала мангу как постоянный источник материала. Это позволило им создать успешную формулу, сначала с 291 эпизодом Dragon Ball Z, а затем повторить её с Sailor Moon, Digimon и, в конечном итоге, One Piece. Это установило уникальную бизнес-модель со своим собственным способом удержания зрителей.

Toei разработала стратегию, при которой отменить сериал гораздо сложнее, чем продолжать его выпускать. Этот необычный подход — приоритет продолжения над отменой — объясняет, как эти франшизы сохраняют свою популярность и почему западная анимация не создала ничего подобного.

Производство 1988 года от Акиры переосмыслило то, что международная аудитория считала возможным в аниме.

Как огромный поклонник анимации, я до сих пор не могу поверить, насколько новаторским был Akira! Когда он был создан, его производство стоило около 1,1 миллиарда иен – это было абсолютно огромно для японского анимационного фильма на тот момент. Что действительно поразило людей, так это детализация – всё было идеально синхронизировано с губами, он двигался с невероятно плавной частотой 24 кадра в секунду, и они использовали более 160 000 отдельных анимационных ячеек! Западные дистрибьюторы просто не видели ничего подобного из Японии раньше. Когда он вышел в прокат за рубежом в 1989 и 1990 годах, он познакомил так много людей с аниме впервые – и тогда действительно не было ничего подобного!

Революционный аниме-фильм Akira оказал огромное влияние на поколение, которое впоследствии создало популярные программы, такие как Toonami на Cartoon Network, запустило первые аниме-фан-сообщества и в конечном итоге работало на стриминговых сервисах, которые сделали аниме мейнстримом во всем мире. Такие режиссеры, как Вачовски, даже указывали на Akira как на прямое вдохновение для своих фильмов, снятых в жанре игрового кино, что означает, что творческие решения, принятые Отомо в 1988 году, оказали длительное влияние на кинематограф далеко за пределами мира анимации.

Поздняя ночная разработка создала рынок отаку и сделала возможным появление Neon Genesis Evangelion.

В начале 1990-х годов японские телеканалы начали транслировать аниме поздней ночью, поскольку это время было недорогим и привлекало преданную, хотя и небольшую, группу поклонников. Это создало уникальное пространство для производства аниме, свободное от обычных ограничений семейного примитивного времени. В результате такие шоу, как Evangelion, Serial Experiments Lain и Cowboy Bebop, могли быть созданы специально для своей целевой аудитории, а не для того, чтобы понравиться всем.

Знаете, то, как аниме планировали на позднюю ночь, на самом деле создало систему, которая поддерживала его на протяжении 2000-х! Шоу, ориентированные на преданных поклонников – тех, кого мы называем ‘отаку’ – развили действительно лояльную фанбазу, которая была рада тратить деньги на специальные, лимитированные DVD и Blu-ray издания. Это означало, что даже если у шоу не было огромных телевизионных рейтингов, оно все равно могло добиться финансового успеха, если его основные поклонники покупали много физических копий. Это был переломный момент!

Модель одновременного показа Crunchyroll положила конец культуре фаансаба, сделав одновременные релизы стандартом.

До 2009 года, когда Crunchyroll популяризировала официально лицензированную потоковую передачу новых эпизодов аниме, западным фанатам приходилось ждать месяцы или даже годы, чтобы увидеть шоу. Созданные фанатами группы субтитров, или ‘fansubs’, вмешались, чтобы заполнить этот пробел, делясь неофициальными переводами в Интернете. Подход Crunchyroll – предложение юридически лицензированных, субтитрованных эпизодов всего через несколько часов после их выхода в эфир в Японии через подписку – доказал, что существует сильный спрос на быстрый доступ к аниме, спрос, который fansubs уже продемонстрировали.

Переход к легальному стримингу произошел быстро, поскольку фанаты всегда хотели законный способ доступа к контенту. Огромная популярность Attack on Titan в 2013 году стала прямым результатом работы, которую Crunchyroll уже проделала.

До того, как появилась возможность транслировать шоу одновременно с их выходом в Японии – известная как simulcasting – было невозможно для шоу стать мгновенным международным хитом. Кроме того, данные Crunchyroll, показывающие, сколько людей смотрели в режиме реального времени, доказали студиям, какие типы шоу были популярны за границей, влияя на все будущие решения о том, что лицензировать и производить.

Смотрите также

2026-05-09 05:21